跟《绝区零》《黑神话：悟空》一样卷美术，为什么玩家不买账？

在开启“游戏美术”这个话题的时候，“卷”是第一个跳出来的关键词。

毕竟这几年，游戏美术是看得见的“卷”。从二游席卷全行业，一些小游戏都开始把美术当卖点。

从《原神》到《黑神话：悟空》，这些各自赛道上的标杆产品，都成了卷的参照对象。一些游戏为此投入不低，画面精致，细节充足。

有的游戏确实通过高投入的美术，卷出了市场声量。比如最近上线的《绝区零》，至少在美术方面实现了自我革新。

但更多的，是钱没少花，玩家却不买账。而很多美术从业者，也在这种浪潮中越来越迷茫。

是否行业整体水平拔高，用户阈值上升，留给美术提升的空间越来越小？游戏公司需要怎样的美术？游戏美术又怎么在当下的竞争环境中，体现价值？

这一期，前欢乐互娱美术总监、冒险袜子工作室负责人梁涛，分享了他的经验与观点。

美术钱没少花，但玩家怎么不买账？

都说现在游戏美术很卷。

但在这之前，首先要知道卷的方向对不对。

好比参加选美比赛，美术的第一个作用是喊一嗓子，让别人都看到他。先看到他的外表，然后才会关注到他身上的配饰、着装、气质等等。后者不是美术自己讲了算，而是从美术、策划到发行之间配合工作后得到的结果。

好的游戏美术，共通点都是能让玩家一眼看到这款游戏，不管是靠有记忆点的风格（《阴阳师》《第五人格》），还是足够的品质（《黑神话：悟空》）。

游戏美术的第二个实际作用，是让发行和买量成本更便宜。

好看的皮相不用那么多广告宣传就能吸引到玩家。像莉莉丝的AFK Arena（《剑与远征》），看到画面就很想点进去了，这能让发行省不少事。

第三个作用是更好地呈现世界观。AFK Arena的美术源自欧式的彩绘玻璃，足够简洁，与世界观结合起来，又能够贴合游戏欧式魔幻的历史观。

在“卷美术”的风潮中，有一个很奇怪，又很常见的现象。就是游戏公司希望既便宜，又做得特别好，而这个“好”的定位，是精度特别高，细节足够；还要有一定的技术壁垒。很少有团队在设计上发力。

这就导致，最后落点都不是真正去发挥美术设计的作用，而是battle实现技术、绘制技法、谁更便宜。

比如，业内有公司甚至互相攀比：看我用多么便宜的成本，做出了这么多东西。很多美术可能都被问过类似“某某项目用AI一天出了800个图标，我们为什么要一天一个”这样的问题。

节约成本没错，但一级界面的icon、主角的设计等等，和画小怪不可一概而论。

又比如，今天出了《黑神话：悟空》，明天有人就想立项个《黑神话：悟能》，但卷的不是悟空身上气质的表达，不是他的一招一式是否流畅，里面的地貌、古迹设计精妙和有代入感，而是毛发系统更精细，渲染看起来更真实。

在这个过程里，游戏公司就容易沉迷到追求制作极限带来的快感中。

有一款FPS游戏，把场景里的马桶做得特别真，然后觉得这样好像就打败了竞争对手公司似的。

而基层做事的画师，可能感受不到系统性的问题，但是会在某些切片层面感到不对劲。在他们个体身上体现出来的误区，就是都去卷美术技法，但很少有人卷设计。

比如，画师画了一块石头，连上面的苔藓都非常真实好看，但很少有画师考虑这些石头，能怎么和gameplay结合，为游戏玩法起到一些指引作用。

又或者，恐怖游戏里有一扇逃生的门，灯光照下来应该让玩家感受到希望。但很多流程上的画师可能不会这么考虑，而是领了画门的任务，就闷头把门画得非常精细、真实。这个过程中，主美也很可能没有对画师起到好的指引。

这样下来，最终结果很可能就是，钱没少花，甚至美术精度不低，但玩家不买账。因为无趣。

为美术创新，找到更科学的落地方式

这些现象反映到行业层面，就是现在玩家审美变迁与业界卷美术的趋势，存在一定的割裂。

这种割裂，一方面源于游戏美术上的创新风险和资本追求的确定性之间，存在严重的悖论。

玩家对于风格和创意足够好的美术是有渴望的。

不管在pc还是手机，ps或是ns这些游戏机上，新的美术风格，或者更有裂变性质的美术风格，都是很能吸引人的。

只是因为，很多公司都更倾向于走一条先验的既定道路，老板也需要更多确定性。那么，即使所有人都觉得可能被拉到了弯路上，一般也没有人敢站出来承担改变的风险。

相信不少已经在游戏公司工作的美术工作，尤其是项目主美，都面临过“不敢创新”的情况。即使公司在各种会议上都说，美术要突破自己，要创新，但真正实施的时候，还是会被问到这种创新有没有人做成过？那么最后，很多创新方案都会被驳回。

所以，很多头部画师宁愿做freelance也不留在一家游戏公司，除了游戏行业不景气找不到好岗位，也因为不想做行活儿，被束缚住了。

另一方面，也有原因是来自游戏公司对用户的武断。

之前有一家做传奇类游戏的公司，下意识地认为某些玩家就喜欢页游风的大翅膀，喜欢一米八的大刀。但后来做过市场分析，才发现其实他们的用户，也喜欢《守望先锋》。虽然比例不大，但也证明目标用户有足够的渠道接触类似《守望先锋》的游戏。

最近某款二次元游戏，判断用户喜好，也是往渲染等技术层面去卷，认为玩家就喜欢这种酷炫特效，结果骂声一片。

当然，很多游戏公司为了避免武断，会做前期调研与测试。

时下一些公司，喜欢找几百个用户来测试游戏美术，然后用测试结果来推导用户基数几百万、几千万的游戏美术风格的正确性。用当下的测试结果，推导两年后游戏上线的玩家喜好，明显有失偏颇。

有很多种测试采样误区。比如，问玩家这个美术和《星铁》比怎么样？不是专业出身的玩家能说出什么？大多数人，除了笼统的好不好看，只能表达出精度方面的感受。又比如，《我的世界》这样的游戏，美术很难拿出去单独采样，它就不是靠第一眼美术吸引玩家的。

其实比起测喜好，测“底线”更有用。

因为你今天可能喜欢喝冰美式，但是明天可能就喜欢拿铁了。但你不喜欢蟑螂的话，基本一辈子都不会喜欢。不喜欢的东西，可能有先天性，很难改变，因而在先验逻辑里沉得更深。

依托于这个逻辑，再进行测试。做法是，首先要让用户不讨厌这个东西。那剩下的，尊重设计师的想法就好。

因为在确定底线的基础上，如何拔高美术，就要更多靠经验了。

美术总监判断一个美术的好坏，首先会从专业角度把它拆开，比如颜色、外轮廓、张力等等，然后确认这些和世界观、玩法是否足够嵌套。

在美术风格的确定上，一种比较体系化的流程是，制作人把玩法、世界观、目标玩家都想清楚了，美术总监需要得到足够完整的信息，然后做一个美术分析。

分析方法有很多。我要做FPS，就把各平台上排名前几的FPS游戏美术都拉出来，分析他们用了什么技法、怎么落地创意等等，在他们的创意框架下还能做多少裂变与创新；

还会观察大厂未来即将推出什么游戏，美术呈现什么趋势，用来佐证自己的创新方向；

此外，也不只停留在游戏，可以去看与美学时尚相通的行业，诸如时装周、先锋电影等等，美学风格在怎么变化，哪些可以加入到游戏美术里。

接着就是用户调研，可以比较宽泛，了解他们对哪些艺术表达比较敏感，把点全部列出来；最后，进入创意启迪阶段，收集很多美术风格，让美术团队成员去做一些美术概念出来，互相启发，最终产生成型的概念。

这个过程并不等于死板地分析，套成功的公式，把游戏创作当作各种元素重组的选择题。而是给艺术创意一个更高效、科学的落地方式。

优秀游戏美术的共性

从《原神》到《黑神话：悟空》，那些大家觉得好的游戏美术，都是有共性的。

他们背后的创作者相信“火种”。意思就是，首先有一个坚定且足够有高度的创意源头。

比如团队一起做一款游戏，先不管谁出钱，最先想到的是大家的共同目标。最开始可能没有那么多预算，但又想设计出有趣的游戏，那就先把自己所有的东西拿出来，找到对标的产品后，通过原发“火种”，借别人相对成熟的框架，找出自己最强的东西。

内心清楚且冲动的创意思路是火种，而清醒、坚定的精神是火种的燃料。

只是，不合理的流程与台面之下的职场关系等，很容易冲淡这些火种。

美术想出来一个东西，发行可能站出来说太理想化了；又或者研发部门想做有趣又相对省钱的风格，会参照《饥荒》，但占股20%的商务老大出来说，《黑神话：悟空》要上了，这种3A大作，神话题材才代表未来，那要不要听他们的？

每个人都往创意源头里添一种名为现实的佐料，实际上本身又不解决任何问题。

比较好的团队，一般都会给“火种”足够的前期打磨时间，并且相信每个部门在自己领域的专业判断。同时从自己的专长提出合理疑问，互相补充视角盲区。

并且，在商品之上，还是都相信游戏也是“艺术行业”。如果完全不拿游戏当艺术看，容易走向畸形。

这并不是要求，要有一个完美的公司体系。而是，要求一个有特色的公司体系。

Team 17（研发《百战天虫》，也发行了很多独立游戏）就是典型。他们的游戏基本是轻量化的，大多可爱、滑稽、有张力。那他们就会很明确，从来不要求美术特效多么好，但美术都要有创意。

任天堂很少在特别尖端的渲染技术上跟别的游戏公司博弈，给外界的印象都是IP和玩法突破。米哈游招美术，需要二次元浓度足够高的人才，因为这是他们的主阵地。

最近随着微信小游戏和《幻兽帕鲁》这样的游戏火起来，美术也出现往轻量化走的趋势，市场上逐渐两极分化。但轻量化也不等于完全不要美术。像姜饼人的美术很突出，就是选对了和游戏适配的方向。